Metales pesados

"«¿Puede perdurar un medio en su ser a través de sus mutaciones tecnológicas?» Esta es la pregunta que a propósito del cine nos plantea Érik Bullot con El film y su doble, nueva entrega de una obra crítica que viene cuestionando hace algunos años, con particular coherencia, los cruces del arte contemporáneo y las nuevas modalidades de existencia del cine.
La respuesta que ensaya el libro es la de una «hipótesis performativa», referida a la manera en la que el cine puede actualizarse al margen de su dispositivo tecnológico tradicional, particularmente a través del habla. Bullot propone, para sostener su innovadora lectura, una serie de categorías a la vez específicas y abiertas a potenciales interconexiones: película-papel, película-script, película-conferencia, película-movimiento.
Fiel a su habitual estilo de escritura, entre la fluidez del ensayo y el rigor de la investigación académica, las sustenta con el comentario siempre original de un amplio abanico de obras, que van del cine experimental al arte contemporáneo, del universo de la exposición al cine de ficción –temprano, clásico o moderno–, pasando además por corrientes artísticas de vanguardia como el letrismo y por movimientos sociales de ocupación y alzamiento político."

1983: Berlín Este, Bogotá, Bucarest, Kiev, Leipzig, Lima, Pekín o Varsovia; en Santiago, la niebla es más espesa. Pero, bajo la misma niebla de la dictadura, memorables fueron El Trolley y El Garage Internacional y, después, en la democracia tutelada por las brigadas de negro que siguieron invocando la muerte bajo su bola de espejos rotos, las fiestas Spandex fueron también irresistibles. Entonces, cuando el sistema universitario había sido desmembrado, la pista de baile semiclandestina fue el lugar donde una nueva generación de jóvenes artistas, sobre todo teatrales, fraguó los repertorios culturales que imaginaron la alegría que jamás llegó. Peor aún, la alegría que la transición fustigó con lacrimógenas y pánico moral.

«La autora de este libro sabe que no sería justo aplicarles a las obras pasadas de las mujeres artistas chilenas, el instrumental analítico que nos proporciona la teoría feminista internacional de hoy. Mariairis Flores Leiva evita tal forzamiento académico, reinsertando obras y exposiciones en sus respectivos contextos políticos y sociales para delinear el trayecto histórico que movió el signo “mujer” desde la interioridad del yo hacia la colectividad del nosotras.
El gesto respetuoso de este libro deja vibrar las tramas originales de producción creativa y de emergencia discursiva que rodearon aquellas obras y exposiciones en las que se detiene su autora. Es gracias a la vigilancia crítica de su minucioso trabajo de rescate historiográfico; al tacto de su recoger y proteger datos errantes y frágiles para incorporarlos a mapas conectados subterráneamente; a la curiosidad vital de Mariairis Flores que la impulsa a salirse del formato universitario de los saberes obligados, para que podamos acceder a las entrelíneas más borrosas y fluctuantes de cómo se desplazaron las categorías mujer, feminidad, cuerpo, sexo, género y feminismo, en un arco temporal que cubre el periodo de la dictadura militar hasta el inicio de la transición democrática en Chile.
Nelly Richard»

«A partir de una crítica al «sentido común» de las imágenes como representación
de la realidad, Imágenes del terror propone un estatuto contraintituivo que les
devuelve su propiedad procesual, generativa y transformadora; una problematización que aprovecha el rendimiento de la ambigüedad entre terror y error, es decir el impacto por la fricción de lo errático. Así, este libro muestra
cómo las complejas conexiones de las imágenes, el contacto entre lo humano y lo más que humano, sus potencias inventivas al alero de las posibilidades de conexión entre elementos textuales y materiales nos hablan de sus modos de expresión y fuga tanto en espacios institucionales como en la ciudad. Las imágenes se muestran como potencias afectivas que pueden disputar la hegemonía de los regímenes de visualidad contemporáneos, para de este
modo, mediante el reconocimiento de sus modos de coexistencia, potenciar
ejercicios de imaginación de otros mundos posibles.»

La tristeza de nuestros museos es un ensayo que aborda las inevitables
tensiones entre la importación de modelos culturales en América Latina y la
consigna del asentamiento de un proyecto de modernidad. El libro analiza
estas tensiones a partir de la exposición de pintura «De Manet a nuestros
días», un envío oficial del gobierno francés que circuló entre 1949 y 1950
por Argentina, Brasil, Venezuela, Perú, Chile y Uruguay, y pone especial
énfasis en las dinámicas y posicionamientos de los circuitos artísticos
latinoamericanos en el nuevo mapa cultural y geopolítico que empezaba a configurarse tras la Segunda Guerra Mundial.
A través de archivos diplomáticos, de prensa, correspondencia y otras
fuentes, Cecilia Bettoni monta un relato ágil y minucioso donde contrastan el anacronismo de la estrategia francesa para recuperar su dominio cultural
sobre América Latina y el escepticismo de los países latinoamericanos
respecto de la vigencia de ese modelo, en un escenario cultural, político y económico sensiblemente transformado por la influencia estadounidense y por los legítimos deseos de vanguardia y autonomía que despuntaban en el
Cono Sur a mediados del siglo XX.

En este ensayo, incisivo y paciente a la vez, con un ritmo y una precisión tan rigurosos como el inexorable crescendo que impulsa Una historia de violencia,
Cristóbal Durán Rojas convierte el cine de David Cronenberg en un proyecto
filosófico para pensar la imagen. No escribe sobre las películas ni basándose en ellas, como si pretendiera contar su verdad o utilizarlas como pretextos para un discurso. En lugar de ello, las examina, escuchando las preguntas que plantean.
A lo que se refiere es a la forma en que las imágenes «se conectan, se reúnen y divergen». La imagen es viral, dice con William Burroughs (de quien Cronenberg
adaptó El festín desnudo), es circulación virulenta y parásita. La imagen es compenetración, dice también, viendo cómo la pantalla de televisión de Videodrome se vacía de sus entrañas, como si pudiera purificarse de la
heterogeneidad que la desborda.
En cuanto a nosotros, somos los huéspedes de estos virus que son las imágenes.
Dan forma a nuestros cuerpos, ya sean propios o protésicos. Es imposible escribir
sobre ellos o desde ellos, ya que, como dice Cristóbal Durán, viven en la
«indiscernibilidad entre el adentro y el afuera». Su ensayo habita ese entredós.
Peter Szendy

En un mundo de alta diferenciación sistémica, cultural e individual, las pretensiones de unidad, armonía o cohesión pueden estar tan justificadas
como siempre, pero, como es de esperar, resultan insuficientes para
comprender las paradojas, contradicciones y autoinmunidades inmanentes
de su constitución. Por medio de una revisión histórica del concepto de contingencia en filosofía, sociología y ciencia, y su posicionamiento en la
teoría de sistemas sociales de Niklas Luhmann, este libro busca ofrecer
claves para reconocer la complejidad de ese mundo, su incompletitud e irreductibilidad. Su propuesta es ética de la contingencia, una modalidad
cognitiva y normativa de experimentar la ausencia de fundamento, entender
su dinámica y ofrecer orientaciones para la relación entre individuos y
sistemas en la sociedad contemporánea.

Así como la flor es quizá la unidad poética más privilegiada en la poesía de Paul Celan para hablar sobre el comportamiento de la lengua, la donación del nombrar a un otro, el designar e inclusive el desplazar y el desfigurar, Demoler
átomos se concentra en las unidades gramatológicas más singulares para
acusar las relaciones lingüísticas inauditas que rodean el quiebre semántico de la palabra. Haciendo suya la imagen con la que Walter Benjamin entiende su propio método a la hora de liberar las fuerzas colosales de la historia que
subyacen en lo más irreductible, Michael G. Levine propone una lectura de «La
sílaba dolor» de Celan para instalar la pregunta no tanto por cómo el dolor
habría de expresarse, sino sobre todo por cómo habita la lengua e incide en la
descomposición de los elementos lingüísticos: la separación de las palabras,
las líneas e incluso de las letras mismas. ¿Habría algo así como un dolor
propio del desgarro lingüístico? Levine expone a lo largo de estas páginas que la puesta en libertad de las fuerzas poéticas por medio del método de demolición muestra un dolor mudo que marca la diferencia de sí y en ese marcar posibilita una topología y una temporalidad inauditas de la flor/sintiempo

Con el propósito de contribuir a la interpretación de la experiencia histórica de la dictadura en Chile, Imbunches de la dictadura enfoca el problema de la herencia dictatorial en el neoliberalismo a la luz de su violencia fundadora y de la suspensión crítica de ese legado por la revuelta social de 2019. La interrogación que atraviesa estas páginas busca esclarecer a partir de imágenes, testimonios y documentos políticos, la genealogía de la violencia en las tramas de la necropolítica, la tortura sexual, el saqueo económico-empresarial y la impunidad de sus autores intelectuales y perpetradores materiales. Con una escritura cruda y sin concesiones, apoyada en una amplia investigación documental, Jorge Pavez Ojeda ahonda en la guerra de la dictadura como doctrina del nacionalismo, la Constitución de 1980 como aparato de captura neoliberal y la acumulación originaria neoliberal como infancia de una (anti) sociedad de mercado. Las torceduras y amarres del imbunche –figura disyuntiva y personaje conceptual que cristaliza aquí la fabricación dictatorial de la vida de derecha como la única vida posible— se entienden como causa y efecto del secuestro, la tortura, la sujeción y la negación; a fin de cuentas, el fundamento sádico del neoliberalismo que delimita en términos políticos y jurídicos la producción de sujetos de mercado desocializados y despolitizados.

A lo largo de estos escritos publicados póstumamente, Werner Hamacher
examina las problemáticas ontoteológicas que subyacen en la justicia, la ley, el derecho y el juicio, para ahondar en su comportamiento anárquico y atélico, que está en la base de las organizaciones jurídicas occidentales.
De Platón, Aristóteles, pasando por Kant, Milton, Locke, Mendelssohn,
Hamann, Marx, Arendt, e incluso acotando registros más bien ajenos al canon como Legendre y Celan, el punto de partida de estas reflexiones es el axioma «Justicia es lengua». Esto quiere decir: si la lengua es en la medida de que remite a otro distinto de aquella, como puro remitir se aleja
de determinaciones ontológicas, pero, al mismo tiempo, la lengua es condición de posibilidad del otro al que remite. La justicia, así entendida,
sería previa al ser y más allá del ser, e incluso un fuera del ser que en último término lo guarda en tanto mismidad. Bajo las implicaciones de esta
afirmación, Justicia lingüística es una de las contribuciones más relevantes
para pensar que lo que se juega en las proscripciones y prescripciones de la vida normada es lo affundamental.

«Con un estilo desenfadado y rico en asociaciones, este libro que quiere no
ser tal propone una reflexión aguda y actual en torno a las imágenes y su circulación, principalmente a través del cine, pero también en compañía de otras artes, como la música, la literatura y el teatro.
Preguntándose por lo que la sigue y por lo que la persigue, Marie-José
Mondzain hilvana con esta obra de montaje sin imágenes el itinerario de su propia vida junto al cine: una vida de encuentros inopinados, de detenciones y seguimientos, que el acucioso análisis intercalado de algunas películas mayores –de Las Hurdes a Tropical Malady, de À propos
de Nice a The Birds— va iluminando subrepticiamente, por alusiones y
sobreentendidos.
Libro de temas múltiples –la persecución, el pueblo, la democracia, el carnaval, la guerra, la religión y la potencia política del arte–, Imágenes
(para seguir) extiende en definitiva una invitación para pensarse en y con las imágenes; para posicionarnos de igual a igual frente a ellas y hacer
circular a partir de ahí nuestros discursos, como los sujetos de habla y de
deseo que somos.»

Es indudable que la escucha es medular en la vida cívica, por cuanto lo que se pone en juego en la acústica son las formas de poder. En atención
a las maneras de escuchar, Brandon LaBelle examina las dinámicas de participación de la vida en común para centrarse en cómo lo que compone
la sonoridad es un medio dinámico que fomenta el potencial crítico y creativo de los individuos a la hora de reconfigurar la praxis social:
capacidad de respuesta, resistencia, comprensión, disputa y reorientación,
son claves en las luchas por el derecho a hablar y ser escuchado. Ahondar
en el reconocimiento como forma neurálgica de participación implica
ampliar las normas de lo acústico, que tocan directamente las cuestiones
de lugar y desplazamiento, fronteras y comunidad, y que terminan por definir las capacidades del escuchar en tanto «ecologías poéticas de resonancia». Así, Justicia acústica indaga entre las prácticas sociales, el arte sonoro, la performatividad y las poéticas de la voz en el marco de la
comunidad, con el objetivo de apuntar estrategias de rechazo y reparación,
por medio de su agencia sónica.

Desde distintos puntos de vista y sensibilidades, Constituir ahonda en la relación entre el poder constituyente de la ciudadanía y la articulación de un principio regulador sobre el que se instituye la vida cívica. A modo de tríptico, este libro propone una revisión histórico-conceptual de la constitución política, que abarca desde los orígenes históricos y conceptuales en los cuales Constitución y democracia han estado imbricadas. En un segundo momento examina el plano de articulación performativa que abre la pregunta por el lenguaje de la ley, las prácticas sociales y la importancia político-filosófica de los derechos humanos. La historia constituyente reciente en Chile ocupa un lugar privilegiado en esta discusión que sienta las bases para diagnosticar el proceso constitucional desde los últimos cincuenta años y su devenir a la luz de la incidencia de la revuelta de octubre, la participación de la Convención Constitucional, el plebiscito y un segundo proceso constituyente con una propuesta en sentido opuesto al anterior. Así, Constituir exacerba la tensión de la esencia de la democracia para analizar uno de los fenómenos políticos más relevantes de los últimos años en Chile.

«A partir de la crítica hacia los falsos universales heredados de la teoría
política liberal, Contraciudadanía y democracia feminista examina formas
de impugnación que configuran la praxis de la contraciudadanía, claves en la puesta en ejercicio de una democracia feminista. Para Nicole Darat, tal objetivo implica preguntarse qué significa dicha democracia, cuál es su relación con la institucionalidad y con las políticas afirmativas. A lo largo de estas páginas, teoría y práctica conforman un vínculo atravesado por una
tensión equiparable a los disensos que separan lo institucional de los
espacios autónomos, y este libro no es sino una búsqueda por la proliferación de tensiones que apunten a pensar colectivamente modos de negociar posiciones dentro del conflicto.
Ante el riesgo de cooptación de los ideales feministas por parte del neoliberalismo y frente al avance de los conservadurismos a nivel
internacional, hay aquí una invitación a repensar los lineamientos de los
feminismos actuales.»

Este libro es una revisión histórica sobre los orígenes del diseño moderno
en Chile, situado a fines de la década del veinte del siglo pasado. Se observa y releva el rol que cumplió el Estado como impulsor de reformas
modernizadoras que fueron la base del desarrollo del diseño a nivel
nacional. El autor destaca lineamientos clave para el diseño, como la estandarización para el mejor uso de los recursos, promovidos por la Dirección de Abastecimiento del Estado (dae), lo que trajo como
consecuencia una uniformidad en los objetos de uso en la administración
pública, desde uniformes hasta edificaciones.
Aquí se encuentra no solo la política que promueve el desarrollo
institucional, sino que además se realiza un rescate de archivo que muestra, entre otros, la papelería utilizada, el mobiliario fabricado bajo
estrictas normas de racionalización, vestimenta de trabajo.
Leer este libro y revisar estos documentos nos conectan con nuestra
propia memoria, ya sea porque utilizamos aquellos muebles, o porque aún
se les puede ver en alguna escuela o repartición pública.

«Este libro se puede leer en dos capas: la primera cuenta la historia de los
orígenes y de-sarrollo de las publicaciones de artista, con un foco en revistas editadas por escritores y artistas latinoamericanos durante la segunda
mitad del siglo XX. La segunda, que será más bien un telón de fondo a lo largo del libro, contiene ciertas reflexiones trazadas bajo el gran
marco de los estudios de la memoria cultural, en torno al legado
documental e histórico que han significado las publicaciones de artista.
Las revistas dan cuenta de una estruc-tura o funcionamiento que abre su propio tiempo, develando así, desde el presente, un espíritu colectivo
atemporal y latente. De tal manera, este libro aporta a la discusión y reflexión actual en torno a la memoria y a su representación en el arte,
particu-larmente a partir de la idea de las revistas de artista como fuentes
documentales para otras historiografías.»

Lo político es el intento por nombrar la incomodidad estructural de los que
sobran, de los que patean piedras, de los sin nombre. Sin embargo, lo innombrable emerge de manera sinuosa de tanto en tanto. A contrapelo de los guardianes de la verdad oficial, se acuña en el coraje de quien dice la verdad; del que insiste en el antagonismo; del que no reniega del nombre
del pueblo; del que ve en la plebe una posibilidad de ser comunidad.
Este es un libro que se escribe siguiendo la huella teórica y política de esa
búsqueda por el nombre de los sin rostro. Son textos e intervenciones
variados, escritos en diversos tiempos, precisamente porque su estrategia
ha sido tomar múltiples hebras de un mismo nudillo. Aquí se recorre de frente y sin falsas ilusiones las sinuosidades de lo político en el Chile
posgolpe de 1973. Estudia sus prácticas, tensiones y contradicciones, pero
sobre todo da cuenta de las batallas pendientes que quedaron olvidadas
en las experiencias emancipadoras pasadas.
Para el autor, pensar lo político hoy requiere preguntarse cómo hacer
posible condiciones de vida individual y colectiva más solidarias, justas y emancipadoras (o socialistas) para la mayoría de la población en condiciones no solo de respeto, sino

«El presente libro es un estudio sobre los inicios de la teoría crítica de la
Escuela de Fráncfort centrado en la obra temprana de los filósofos
alemanes Theodor W. Adorno y Max Horkheimer. Reconstruyendo las discusiones en sus escritos filosóficos, se sostiene que la teoría crítica
emerge desde el materialismo como crítica de la metafísica occidental que inspira tanto una política emancipatoria como una nueva investigación
social interdisciplinaria. A través de la epistemología, la teoría social y la
filosofía de la historia, este libro es una contribución a la discusión sobre el estatuto de la «crítica» en el papel de la filosofía y los estudios sociales
para con la transformación social. ¿Qué es la crítica hoy? ¿Qué
aprendizajes podemos extraer del proceso de formación de la Escuela de Fráncfort? ¿Cómo una revisión de los escritos tempranos puede ayudarnos
a responder la pregunta por el rol de la teoría en las prácticas de cambio
social? En una época donde el pensamiento crítico es cooptado por el neoliberalismo, estas preguntas son particularmente urgentes.»

"¿Puede ser la vestimenta una categoría fundamental para el pensamiento?
Centrándose en escenas de sugerente coexistencia entre moda y filosofía,
Ángel Álvarez problematiza la actitud «filosófica» acerca de la moda, el vestido y la apariencia física para confeccionar una narrativa que teje el hilo perdido entre moda y filosofía moderna. De la continuidad conceptual
entre vestimenta, cuerpo y pensamiento en la filosofía contemporánea
hasta las luchas reivindicatorias del tiempo presente, El armario de los
filósofos sostiene una relación originaria entre el vestir y el pensar: nos arropa con la idea de que el cuerpo que piensa debe reflexionar sobre los alcances de un cuerpo que viste; alcances que, como veremos a lo largo
de estas páginas, termina por constituir una condición de posibilidad y un
lugar privilegiado para el pensamiento."

«Con el objetivo de abarcar la actividad creativa plural y disgregante de Raúl
Ruiz, este libro reúne múltiples perspectivas y metodologías de análisis,
ensanchando así las vías de acceso a su catálogo y propiciando la indagación crítica de sus zonas más recónditas. Se trata, por una parte, de dar cuenta de la asombrosa capacidad de Ruiz para navegar entre
lenguajes cinematográficos, formatos, zonas geográficas, idiomas,
disciplinas artísticas y problemas filosóficos («existen tantos Ruiz como
imágenes hizo», tal es la premisa), y, por otra, de constatar la actual
diversificación de las categorías desde las cuales se ha venido analizado
su obra.
Proyecto paradójico, Raúl Ruiz. Potencias de lo múltiple es una vasta
compilación de ensayos breves –a razón de uno por película— que oscilan
entre el rigor académico y el vuelo especulativo, con la reseña como justa
medida. Su apuesta, en definitiva, es volcarse sobre los formatos menores
y más experimentales del cine ruiziano (ejercicios televisivos, talleres,
adaptaciones teatrales, películas de danza, documentales, obras
desveladas), abogando por la pluralidad, entre ambos extremos del amplio
abanico que despliegan el cine de indagación y el cine chamánico. Queda
hecha la invitación a recorrerlos.»